Edición de Continuidad

       Hace unos meses atrás revisamos algunos elementos que forman parte del montaje cinematográfico tales como el ritmo, espacio, y el tiempo de una toma. Un director o  montador puede decidir cómo usar estos elementos y cómo combinarlos para lograr el efecto deseado. De esta manera se pueden obtener distintos estilos de montaje los que generalmente están asociados a distintos periodos históricos o escuelas cinematográficas tales como el Montaje Soviético, el montaje elíptico o la edición de continuidad. Este último es el que más ha predominado a través de la historia del cine. Le edición de continuidad comenzó a desarrollarse a comienzos del siglo XX con el propósito de organizar los planos filmados para lograr una continuidad espacial y temporal.

     Aspectos tales como los mencionados anteriormente (elementos gráficos, ritmo, espacio, tiempo) se tienden a mantener constantes para así no interrumpir la narración de la historia. Por ejemplo, las figuras incluidas en los planos se mantienen simétricamente y de forma equilibrada; la acción tiende a ocupar la parte central de la pantalla desde un plano a otro; la iluminación también se tiende a mantener constante para que no exista mayor divergencia entre los planos filmados. Por otro lado, el ritmo o duración de las tomas se realizan de acuerdo al tipo de planos. Si es un plano largo incluyendo una vista panorámica, la duración del plano va a ser generalmente mayor que la de un plano cercano o “close-up”. Se entiende que el espectador necesita más tiempo para procesar una toma panorámica con más detalles y por ende, la toma durará más tiempo.

     Particularmente importante en este estilo de montaje es la continuidad espacial, y para lograr esto se emplea la regla de los 180°. Al ubicar la cámara al frente de un campo de acción de 180 grados, los personajes se mantienen orientados entre sí. Siguiendo esta regla, personaje A siempre va a estar a la derecha, mientras que personaje B se va a mantener a la izquierda  y las líneas de visión de estos personajes se van mantener alineadas. Debido a la posición de la cámara que se mantiene fuera del campo de 180° se pueden alternar tomas de un personaje a otro, técnica que es conocida cómo plano contra plano (“shot reverse shot”), sin correr el riesgo de captar otras cámaras durante la grabación. Si la cámara cruza este campo de 180°, personaje A va a quedar ubicado a la izquierda mientras que personaje B va a estar al lado derecho, y por lo tanto, esto va a confundir y desorientar al espectador (ver figura 1).

Figura 1

     En ciertos estilos cinematográficos, tales como el cine arte, soviético o surrealista, donde la historia no es el principal elemento, la cámara si interrumpe este “espacio sagrado”, muchas veces con la intención de emplear experimentos visuales. Sin embargo, el cine narrativo, que es el que domina el séptimo arte, establece que se debe hacer todo lo posible por mantener al espectador enfocado en la parte narrativa, o sea, en la historia, evitando distracciones visuales.

     Otros aspectos importantes para mantener la continuidad espacial son el plano de apertura (“establishing shot”) y el “master shot”. El plano de apertura es el que no solo nos permite saber donde se desarrolla la acción sino que también cuando se desarrolla la acción. Por ejemplo, el plano de apertura puede ser una toma de la ciudad de Lisboa para indicar que en esta ciudad se va a desarrollar la historia como también aclarar que la acción va a transcurrir durante del día (ver figura 2).

Figura 2

     En ciertas ocasiones, el master shot y el plano de apertura son el mismo. Sin embargo, más específicamente, el “master shot” es el plano que nos muestra donde están los personajes ubicados entre sí y en relación con sus alrededores. Por ejemplo, una toma de una oficina con tres personajes ubicados de forma cercana (ver figura 3).

Figura 3

       Las técnicas descritas aquí son solo algunas de las tantas que se emplean en la edición de continuidad. Sin embargo, son fundamentales para mantener el flujo ininterrumpido de la historia que se quiera contar. Si se están preguntando por qué nunca antes habían captado estos detalles o habían pensado en éstos, es justamente porque, al emplear estas técnicas de manera correcta, éstas se convirtieron invisibles y cumplieron con su función: entretener y conmover al espectador. Todos tenemos películas favoritas con increíbles historias que nos han conmovido y que no podemos olvidar. Por esta razón, le damos gracias a la edición de continuidad y su trabajo silencioso e escondido.

Parte de este material, en particular los ejemplos fueron obtenidos de “Film Art: An Introduction” por David Bordwell y Kristin Thompson; y “Film Studies and Moving Image Arts” http://westudyfilm.wordpress.com

Claudio Bringas

CAMILA

Camila es una película argentina  dirigida por maría Luisa Bemberg y protagonizada por Susú Pecoraro, Imanol Arias y Héctor Alterio. Fue estrenada el 17 de mayo de 1984.

La película está basada en hechos reales y narra una historia de amor que provocó el escándalo entre la iglesia y la sociedad de la época. Esta película cuenta hechos históricos sucedidos en Buenos Aires en los años 1840, Camila  es la historia de un gran escándalo amoroso que ocurrió entre un padre jesuita y una joven de alta sociedad. Además de presentar la relación romántica que se forma entre Camila y Ladislao, la película muestra la realidad política de la época bajo el poder  Juan Manuel de Rosas.

La historia se inicia cuando Camila conoce a Ladislao, un padre jesuita de quien se enamora perdidamente. Ella es la hija rebelde de la familia, la que compra literatura prohibida por el gobierno, la que disputa con su padre ideas sobre una guerra  que considera no justificada, la que se quiere casar por amor con un hombre diferente, soñado y no impuesto. Ladislao, el padre recién llegado, también tiene sentimientos contra la injusticia de los federales.

El amor que nace entre ellos es un amor verdadero, pero significa romper reglas sociales, también es un sacrilegio contra la Iglesia y un delito que para el gobierno de Rosas debía ser castigado duramente. Ladislao intenta resistirse a sus sentimientos hasta que Camila le confiesa su amor por él.  Finalmente deciden huir juntos a Corrientes. Allí viven tranquilos trabajando como maestros

Los detractores del gobierno, exiliados en Uruguay, Chile y Bolivia, no vacilan en utilizar a los fugitivos como prueba de la corrupción y decadencia de la dictadura de Rosas. Desde la prensa desatan una campaña burlesca y feroz. En la capital porteña, el propio padre de Camila acude al Restaurador pidiendo el castigo de su hija y el sacerdote por cometer “el acto más atroz y nunca oído en el país”.

A partir de ese momento se inicia la persecución, son buscados  durante varios meses hasta que en una fiesta son reconocidos por otro padre.  Desperdician la oportunidad de huir, y luego se ser encarcelados,  bajo presión de la familia O’Gorman y la iglesia católica, Rosas no muestra piedad, ya es un escándalo de ribetes internacionales, y ordena que sean ejecutados aunque Camila está embarazada y las leyes prohibían ejecutar a una mujer en ese estado.

En el amanecer del 18 de agosto de 1848, Camila O’Gorman y Ladislao Gutierrez son fusilados. Los acribillados cuerpos de los amantes logran finalmente perpetuar el abrazo por el cual se les quitó la vida: un mismo cajón de armamentos les sirve de sepultura

Ficha Técnica:

Título: Camila

Título original: Camila

Dirección: María Luisa Bemberg

País: España, Argentina

Año: 1984

Duración: 105 min.

Género: Drama, Romance, Histórico

Calificación: No recomendada para menores de 13 años

Reparto: Susú Pecoraro, Imanol Arias, Héctor Alterio,  Elena Tasisto, Carlos Muñoz, Héctor Pellegrini, Juan Leyrado, Cecilio Madanes, Claudio Gallardou, Boris Rubaja, Alberto Busaid, Lidia Catalano, Zelmar Gueñol, Jorge Hacker, Carlos Marchi, Roxana Berco, Alejandra Colunga, Alejandro Marcial, Oscar Nuñez, Jorge Ochoa, Mona Maris, Martín Coria, Jean Pierre Reguerraz, Juan Manuel Tenuta

Distribuidora: European Classics Video

Dirección: María Luisa Bemberg

Dirección artística: Miguel Rodríguez

Fotografía: Fernando Arribas

Guión: Beda Docampo Feijóo, Juan Bautista Stagnaro, María Luisa Bemberg

Música: Luis María Serra

Sonido: Jorge Stavropulos, Pedro Marra

Vestuario: Graciela Galán

Distinciones: Nominada para el Oscar de la Academia de Artes y Ciencias de Hollywood como Mejor Película Extranjera.Premio a la Mejor Interpretación Femenina en los Festivales de Karlovy Vary y La Habana

Primer premio del público en el Festival de Biarritz.

MONTAJE

       En el artículo del mes pasado, comenzamos a explorar los distintos aspectos cinematográficos que forman parte de la construcción de un film. Partimos con una breve explicación acerca del guión y sus distintos aspectos. Para este mes, vamos a entregar una definición del concepto de montaje junto con la explicación de sus aspectos más importantes. Vale la pena aclarar que muchos de los conceptos que mencionaremos emplean nombres norteamericanos, pues fue precisamente allí donde se lograron grandes avances en las técnicas de montaje (sin olvidar las grandes contribuciones soviéticas).

      En su definición más básica, una película se puede definir como un conjunto de planos (tomas) captadas por una cámara. Pero una vez que el montador (editor) tiene en su posesión miles de planos, ¿cómo se unen estos planos para crear una película? Es justamente el proceso de montaje el que permite juntar/unir y ordenar miles de planos para crear una determinada idea y dinámica. El proceso de montaje es uno de los pilares en la realización de una película. A través de este proceso el montador/editor escoge los mejores planos y elimina el resto, lo que le permite expresar estas ideas.

      Los planos se pueden unir de distintas formas: “fade-in” (disolvencia de entrada), “fade-out” (disolvencia de salida), “dissolve” (disolvencia), “wipe” (transición), o “cut” (corte). Un fade-out permite que la última parte de un plano (Plano 1) se vuelva gradualmente oscura. Un fade-in permite que el plano se vaya iluminando gradualmente. Con la técnica del dissolve se puede, por un breve instante, superponer un plano sobre otro, logrando de esta manera, una mezcla de dos imágenes para eventualmente proceder con el siguiente plano (figura 1).

Figura 1

 En un “wipe” (transición), plano 1 reemplaza gradualmente plano 2 por medio de una línea que se mueve a través de la pantalla, lo que permite que coexistan dos imágenes diferentes pero no mezcladas (figura 2).

Figura 2

Sin lugar a dudas, el método más común de unir dos planos es a través del “cut” (corte). Al unir dos planos mediante un “cut” se logrará un cambio instantáneo entre plano 1 y plano 2, mientras que los “fades,” “wipes” y “dissolve” ejercen cambios graduales entre planos contiguos (figura 3).

Figura 3

      Los miles de planos se obtienen tras un largo proceso de rodaje con una o más cámaras. Si bien es cierto que algunos directores prefieren filmar con más de una cámara rodando simultáneamente, la mayoría de las escenas se filman rodando solo una cámara. Para que los planos contiguos tengan sentido al unirse, se debe planificar con antelación y no filmar planos sin tener idea dónde calzarán después. En este sentido, es muy importante tener un buen y detallado guión que indique qué planos se deben filmar y las razones para hacerlo.

     Según el historiador del cine David Bordwell, el proceso de montaje le permite al montador tener el control sobre cuatro áreas:

- Relación gráfica entre plano 1 y plano 2

- Relación rítmica entre plano 1 y plano 2

- Relación espacial entre plano 1 y plano 2

- Relación temporal entre plano 1 y plano 2

Relación gráfica se refiere a los elementos gráficos de un plano, tales como la iluminación, líneas, formas, volúmenes, y movimiento. Plano 1 y plano 2 pueden poseer una gran similitud en sus elementos gráficos (figura 4). Por otro lado, dos planos pueden tener elementos gráficos totalmente opuestos, algo que se pudiera utilizar si es que el director quisiera entregar una cierta idea expresada a través de este contraste.

Figura 4

Relación rítmica se refiere a factores como la duración de un plano, la que se puede medir en cuadros, pies o metros. Un plano puede durar un segundo o una fracción de un segundo, mientras que el siguiente plano puede durar tres minutos. La relación rítmica entre dos planos puede otorgar un gran efecto cinematográfico. Un buen ejemplo de esto se puede observar en la película, El Bueno, el Malo, y el Feo, dirigida por Sergio Leone. Durante el duelo final, donde se enfrentan los tres protagonistas, la escena comienza con planos de larga duración, mientras que estos planos se acortan y se enfocan en los rostros de los protagonistas a medida que se acerca el momento de disparar, junto con música que también incrementa su tempo hasta llegar al momento final (figura 5).

Figura 5

La relación espacial está relacionada con la habilidad que tiene el director o el montador de controlar y manipular el espacio que quiere mostrar en las escenas. En ciertos casos, el director puede filmar un plano que muestre todo el espacio que se va a incluir en una determinada escena, para después continuar con un plano que solo muestre parte de ese espacio. Una de las razones para hacer esto pudiera ser para entregar un cierto elemento de suspenso. Por ejemplo, plano 1 muestra al protagonista caminando en una casa abandonada, sin realizar que hay un monstruo detrás suyo. Después, plano 2 solamente nos muestra al protagonista, y no vemos al monstruo, a pesar que tenemos la certeza que continúa acechando al protagonista. Al manipular el espacio de esta manera, y no siempre mostrando lo mismo, se crea un gran efecto de suspenso.

Finalmente, a través de la relación temporal entre dos planos, se puede manipular el tiempo en que ocurren los eventos que se cuentan en la película. Los planos pueden estar unidos de forma cronológica, lo que permite contar una historia de forma lineal, por ejemplo, desde la infancia del protagonista hasta su vejez. Alternativamente, se puede hacer uso de “flashbacks” (escenas retrospectivas) para saltar desde el presente hacia el pasado y nuevamente volver al presente; o se puede saltar hacia el futuro y después nuevamente volver al presente, mediante “flash forward,” o simplemente eliminar ciertos eventos para hacer avanzar la acción de manera más rápida, proceso llamado montaje elíptico. Mediante este proceso elíptico, un evento o acción toma menos tiempo en la pantalla que en la historia que se está contando.

      Como puede entenderse, la tarea de montar o editar una película es compleja y larga. Este artículo solo cubre los elementos de montaje más básicos y simples. Sin embargo, espero que esto ayude a entender de mejor manera cómo se construye una historia a partir de miles de planos e innumerables horas de rodaje.

Parte de este material, en particular los ejemplos fueron obtenidos de “Film Art: An Introduction” por David Bordwell y Kristin Thompson; y “Part 4: Editing” http://classes.yale.edu/film-analysis

Claudio Bringas

¿Con qué ojos el Cine?

       Desde hace varios años les vengo entregando cada mes un artículo de cine latinoamericano, mostrando las películas que hayan destacado. Sin embargo, creo que es buena idea explicar cómo se analizan de manera crítica estas películas y cuáles son los elementos que hay explorar. A continuación les entregaré un breve ensayo describiendo un elemento clave en la construcción de un film: el guión, dejando otros elementos, tales como edición, dirección, actuación, trabajo de cámara y sonido para las próximas entregas.

     Uno de los primeros aspectos de una película de los cuales nos percatamos es la historia o el “de qué se trata”. En este sentido, el guión es un elemento fundamental en la construcción de la trama cinematográfica. Sin embargo, primero cabe destacar que la historia de una película no es exactamente lo mismo que su trama o “plot”. La historia es lo que se cuenta o, en términos generales, es de lo que se trata una película. Por ejemplo, películas acerca de la vida de Napoleón. Han existido varias películas sobre este mismo tema. Sin embargo, cada una de estas películas tiene una trama distinta. Película “A” cuenta la historia de la vida de Napoleón de forma cronológica comenzando con su niñez y terminando con el epílogo de su vida. Película “B” puede contar la misma historia, pero comenzando con un Napoleón adulto y que a continuación comienza a recordar su vida. De esta manera, entendemos la “trama” como la forma en que está estructurada la historia, o la manera específica en que se cuenta la historia.

        Para que una película tenga una trama efectiva, no es suficiente que esté basada en una historia o temas interesantes, sino que también debe estar estructurada sobre un guión que permita que la trama tenga fluidez narrativa. Un guión puede ser tanto material original como basado en obras preexistentes (libros, programas de televisión, obras de teatro). No importando su origen, un buen guión debe hacer que los personajes sean interesantes usando diálogos que logren enganchar al espectador, incluso llegando al punto de que uno se pueda sentir identificado con uno o más personajes. Esto se ve claramente en el cine americano, donde se escriben guiones con personajes y acción que fácilmente logran cautivar a los espectadores. Estos espectadores se identifican emocionalmente y se interesan enormemente en que sus personajes favoritos logren sus metas. 

     Contrastando con el método americano clásico, encontramos guiones de estilo distinto tanto en el cine arte como en el cine europeo. Aquí los personajes y las acciones desarrolladas tienden a ser menos definidos. Los personajes pueden ser moralmente ambiguos, sin existir una clara diferencia entre héroes y villanos. En cuanto a la acción, ésta también puede ser ambigua, en ciertas ocasiones dando la impresión que no hay metas definidas, o que simplemente los personajes deambulan por la vida sin buscar claros objetivos que se resuelvan en la parte final de la película.

     En cuanto al cine latinoamericano, observamos tanto la influencia americana como la europea no solo en la elaboración de los guiones sino que en todo el proceso de filmación. De las películas que hemos revisado, El Secreto de sus Ojos, dirigida y escrita por Juan José Campanella, es un claro ejemplo de una cinta empleando un sólido guión al estilo Hollywood y que rápidamente lograr capturar el interés del espectador hasta el desenlace final. Esto no nos debe sorprender ya que Campanella, a pesar de ser argentino, ha desarrollado su carrera en Hollywood, y se ha visto claramente influenciado por este estilo narrativo. Por otro lado, si revisamos una película como La Sombra del Caminante, del colombiano Ciro Guerra, donde existen básicamente dos personajes principales que se encuentran  y se hacen amigos, cada uno con un pasado traumático. El guión empleado para esta película, tiende a ser más ambiguo, con ciertas semejanzas al estilo europeo. Aquí,  no sabemos de inmediato si estos personajes tienen un objetivo que conseguir o algo que resolver. Sin embargo, esto no quiere decir que este tipo de cintas son de menor calidad o que se disfruten menos. Es más, incluso pueden ser de mucho mejor calidad. Todo depende de la historia que se quiera contar. Cada uno tiene sus fortalezas y a veces es más apropiado tener un tipo de guión sobre otro, siendo importante saber cuál es el apropiado para cada película.

     En cuanto al espectador, si éste quiere ver una película de manera crítica o de forma “activa,” hay que tener muy presente la forma en que se está contando la historia, si los personajes son interesantes, si los diálogos sirven para avanzar la narración, y si hay cierta ambigüedad en la historia, fijarse si esto es apropiado o no para lo que se quiere contar; el orden en que se cuenta la historia, ya sea de forma cronológica o tal vez con flashbacks o raccontos (recuentos). Todos estos elementos influyen para analizar la efectividad de un guión. Como ya fue explicado anteriormente, una buena historia no basta para realizar una gran película. Han existido muchos fracasos cinematográficos basados en historias interesantes, y si bien son muchos los elementos que contribuyen para tener una película de calidad, el guión es fundamental, siendo de cierta manera la columna vertebral de un film. Si éste es débil o de mala calidad, es prácticamente imposible que la cinta se pueda sostener. Espero que esta breve introducción les haya ayudado para que comiencen ver el cine de manera activa y crítica, algo que les permitirá disfrutar mucho más la magia del séptimo arte.

Claudio Bringas

Cuestión de principios

Cuestión de principios, película galardonada en competencia del Festival de Cine de San Diego, California, por sobre 50 títulos internacionales, está basada en el cuento “Cuestión de principios” de Roberto Fontanarrosa, uno de los más populares escritores y dibujantes argentinos. Este filme trae una historia en forma de comedia sobre lo que significa en esta vida, ser ético, frontal, y obrar de acuerdo a los principios, rol que cumple Federico Luppi en el personaje de Adalberto Castilla

Él es un correcto empleado, cumplidor, pulcro y ordenado, de familia normal, fiel a sus costumbres, que además arma barquitos en miniatura, y  atesora entre sus cosas un único ejemplar de una vieja revista española, por fuertes afectos familiares, ya que en esa edición aparece su padre. Este número a su vez es el único que le falta a la colección de su nuevo jefe, Silva (Pablo Echarri), un joven insoportable que hará hasta lo imposible por conseguirla.

Castilla es un antiguo empleado a punto de jubilarse, posee el número de una vieja revista que Silva, su nuevo y joven jefe, necesita para completar su preciada colección. Silva quiere comprársela; sin embargo, Castilla querrá darle una lección: no todo tiene un precio en la vida.

A  Silva le molesta sobremanera el desaire de su empleado frente a toda la plana mayor de la empresa. Obsesionado con la revista y empecinado en darle a torcer el brazo,  se propone demostrar a todos, sin echarlo, que logrará obtener la revista y quebrar la voluntad del viejo Castilla. Hará tentadoras ofertas que pondrán en conflicto no sólo a Castilla sino a toda su familia al enfrentarlo con su mujer Sarita (Norma Aleandro) y con su hijo Rolito, al ponerlos en conocimiento de la suma desmesurada que ofrece por la revista, transformando su vida en una pesadilla

Castilla está tentado de venderla, pero preso de sus propias palabras y de la imagen que ha dejado en sus compañeros con su discurso de principios se ve en un conflicto interno. Necesita el dinero pero no puede dar marcha atrás. Todo se resuelve finalmente como una cuestión de principios cuyo resultado es una divertida comedia

Créditos

Título: Cuestión de principios
Título original: Cuestión de principios
Dirección: Rodrigo Grande
País: Argentina
Año: 2009
Género: Comedia
Reparto: Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula, Pepe Novoa, Oscar Nuñez, Monica Antonopulos, Mabel Pessen, Oscar Alegre, Mario Vidoletti
Guión: Rodrigo Grande, Roberto Fontanarrosa
Distribuidora: A Contracorriente Films
Productora: Línea de Tres Producciones

Conversaciones con Mamá

Comentario de la película realizado por Claudio Bringas

Para celebrar el día de la madre que se celebra en Mayo vamos a revisar la película Conversaciones con Mamá, estrenada en 2004. La historia es sencilla y ya sido tema de otras películas: la relación con nuestros padres cuando éstos están en las últimas etapas de sus vidas. En esta cinta conocemos a Jaime (Eduardo Blanco), economista de clase media alta que parece tenerlo todo: exitoso, casado y con dos hijos. En las propias palabras de Jaime, es el hombre que todos aspiran ser. Sin embargo, un día es despedido repentinamente debido al mal momento por el que atraviesa su compañía. Esto le altera significativamente su vida: no puede pagar las cuotas de la casa, y tampoco es capaz de pagar la colegiatura de sus hijos, teniendo que deshacerse de su vehículo para solventar parte de sus gastos y ya está pensando en la posibilidad de emigrar del país. Todo esto le ocurre en medio de una crisis matrimonial.

Mientras la vida de Jaime se le está derrumbando frente a sus ojos, conocemos a su madre (China Zorrilla), viuda de hace muchos años y que vive en un departamento que le pertenece a su hijo. Justamente este departamento es la única salvación que le queda a Jaime. Tiene que vender el departamento para poder salir de la crisis financiera. El único problema que Jaime debe resolver, es decidir que va a hacer con su madre, y eventualmente resuelve que ella debe vivir con él y su familia. Su mamá se opone y no tiene ningún problema en explicarle a su hijo lo que ella piensa de sus nietos, su nuera Lucrecia, y sobre todo su consuegra, a la cual odia sin reparos. Pero hay una razón más fuerte por la cual ella se resiste a evacuar el departamento: tiene un novio, Gregorio (Ulises Dumont) y él se ha ido a vivir con ella.

La situación en la que se encuentra Gregorio es bastante penosa y no es algo que nos induce a reírnos. Sin embargo, esta cinta logra tocar estos temas serios, tales como la crisis financiera, el desempleo, la soledad, y la crisis matrimonial, con una buena dosis de humor. En esto, el personaje de la madre es fundamental. Ella tiene más de ochenta años, y ya lo ha visto todo y ha vivido una vida que no ha sido fácil. Por lo tanto, ella no piensa que los problemas de su hijo son graves y no le da mucha importancia. Piensa que muchos problemas tienen fácil solución, y que las personas son las que complican todo. Esta manera de pensar se contrasta con mirada lúgubre que tiene Jaime hacia la vida en un comienzo, y es justamente a través de este contraste que se producen las líneas más memorables y cómicas. A través de estas conversaciones, a veces serias, y a veces cómicas, Jaime comienza a revisar su vida y a pensar en lo que realmente es importante para él.

Los demás personajes casi no se ven, pero en esta película, esto es algo absolutamente positivo. Tal como lo refleja el título de esta película, el director y guionista Santiago Carlos Oves se enfoca casi exclusivamente en los dos personajes principales y en las reflexiones acerca de la vida que emergen a través de estas conversaciones. Este enfoque casi exclusivo en dos personajes puede ser un gran riesgo de parte de un director. Sin embargo, cuando las actuaciones están a la altura de la ocasión, el resultado es estupendo. Este es el caso de Conversaciones con Mamá, donde ambos, Eduardo Blanco y sobre todo China Zorrilla interpretan sus personajes de manera perfecta, sin puntos bajos.

Buenas actuaciones, y un buen trabajo por parte del director, junto a una bonita historia de relación madre-hijo se unen para crear una obra de tono sencilla pero profundamente humana y entrañable, y al final de los noventa minutos que dura esta cinta, más que esperar el desenlace, deseamos seguir disfrutando de estas conversaciones. Tal vez esto es un reflejo del deseo que todos tenemos de acercarnos a nuestras madres, de dejar de lado nuestras “preocupaciones” diarias y tener el tiempo de sentarse a conversar con la mujer que tanto nos ha entregado.

Dirección y guión: Santiago Carlos Oves.

Países: Argentina y España.

Año: 2004.

Duración: 90 min.

Género: Drama, comedia.

Interpretación: China Zorrilla (Mamá), Eduardo Blanco (Jaime), Ulises Dumont (Gregorio), Silvina Bosco (Dorita), Floria Bloise (Lucrecia), Nicolás Condito (Chico), Tito Mendoza (Enfermero), Maitena Cabrera, Juan Cipriani, Nahir Shinca, José M. Barallobre.

Producción: Santiago Carlos Oves, Mónica Ester Roza, Carlos Federico Piwowarski, Pascual Condito y Luisa Matienzo.

Música: Pablo Sala.

Fotografía: Aníbal Bosco.

Montaje: Liliana Nadal y Paula García.

Dirección artística: Mariela Ripodas.

Vestuario: María Nieves Cabañes.

Estreno en Argentina: 15 Abril 2004.

Estreno en España: 14 Enero 2005.

Cine

Iluminados por el fuego

Publicado por admin con fecha abril - 3 - 2011 COMENTAR

Iluminados por el Fuego

 

 

En Abril de este año se cumplen 29 años de la Guerra de las Malvinas. Para conmemorar este hecho, revisaremos la película Iluminados por el Fuego (2005), dirigida por Tristán Bauer. Ganadora de múltiples premios internaciones, incluyendo el premio Goya a la mejor película extranjera en España, esta cinta está basada en un libro homónimo escrito por un veterano de Malvinas.

            La historia está centrada en la vida de un grupo de jóvenes  argentinos enviados a combatir en Malvinas. Ahora, veinte años después, uno de ellos, Esteban (Gastón Pauls), que ahora trabaja como periodista, se entera del intento de suicidio de Alberto (Pablo Ribba), amigo y también ex-combatiente de Malvinas. Al suceder esto, Esteban, rápidamente acude al hospital para visitarlo y descubrir que su amigo padece de una larga y sufrida depresión debido a los horrores que vivió y observó durante el conflicto. Durante la visita al hospital, Esteban recuerda sus vivencias durante el conflicto. A través de flasbacks vemos cómo Esteban y sus compañeros de escuadrón, Alberto y Juan (Cesar Albarracín), mientras esperan la llegada de las fuerzas británicas,  deben sobreponerse a las duras condiciones, no solo climáticas, sino que también a la falta de recursos apropiados para combatir en una guerra que ninguno de ellos entiende.

            Según lo que nos muestra este film, pareciera que los únicos que realmente entienden el conflicto son los líderes de ambos países, los que emplean esta guerra para sus propios beneficios. A través de segmentos noticiosos aprendemos que tanto Thatcher como los líderes de la Junta Argentina estaban sufriendo de baja popularidad y que, ambos quieren obtener una victoria para ganarse el apoyo de sus respectivos pueblos. Una serie de batallas son mostradas a continuación, mostrándonos que los soldados no son más que simples peones en un juego político, donde la pérdida de vidas humanas es un mero detalle.

            De vuelta en el presente, Esteban decide que debe retornar a las Malvinas para enfrentar su pasado e intentar cerrar una vieja herida. No está claro si el realmente logrará obtener lo que tanto anhela. Tristán Bauer nos muestra, a través de Esteban, lo que el país entero de Argentina ha vivido por casi treinta años. Bauer usa imágenes reales para mostrar algunos momentos de este conflicto, lo que le da a esta película un tono aún más crudo y realista. A esto se agrega el hecho de que por primera vez desde la guerra, una producción Argentina es realmente filmada en las islas Malvinas. Al llegar allí, mientras  Esteban intenta comprender lo incomprensible, se observan a la distancia, campos por donde se está prohibido pasar, al estar éstos llenos de minas explosivas y material militar en ruinas. Es prácticamente imposible no sentirse identificado con el sufrimiento de Esteban y sus compañeros. Al igual que éstos, el espectador se preguntará si tanto sufrimiento valió la pena. Las vidas no sólo se perdieron en aquellas remotas islas 29 años atrás. Como está demostrado con la historia de Alberto, las cicatrices de este conflicto aún no terminan de sanar, afectando, a muchos veteranos muchos años después, con depresión y otros problemas psicológicos y, en algunos casos, suicidios. Se dice que el tiempo cura todas las heridas. Sin embargo, en este caso, cuando las causas de estas heridas no son del todo comprensibles, el camino a recorrer será mucho más largo y tenebroso.

 

Ficha Técnica:

 

Dirección: Tristán Bauer.

País: Argentina.

Año: 2005.

Duración: 103 min.

Género: Drama.

Interpretación: Gastón Pauls (Esteban Leguizamón), Pablo Ribba (Alberto Vargas), César Albarracín (Juan Chamorro), Juan Leyrado (Teniente Alurralde), Virginia Innocenti (Marta), Arturo Bonín (Dr. Prina), Víctor Hugo Carrizo (Teniente Pizarro).
Guión: Edgardo Esteban, Gustavo Romero Borri, Tristán Bauer y Miguel Bonasso; basado en el libro de Edgardo Esteban y Gustavo Romero Borri.

Producción: Carlos Ruta.

Música: Federico Bonasso.

Fotografía: Javier Juliá.

Montaje: Alejandro Brodersohn.

Dirección artística: Graciela Fraguglia.

Vestuario: Julio Suárez.

Estreno en Argentina: 8 Sept. 2005.

Estreno en España: 27 Enero 2006.

 

por Claudio Bringas

Cine

La vida de los peces

Publicado por admin con fecha marzo - 10 - 2011 COMENTAR

La vida de los peces

 

 

La vida de los peces es una película con una gran carga emocional y una historia simple.  Se trata de un relato muy íntimo acerca de cómo al cerrar ciertas etapas de la vida debemos dejar parte de nuestra historia atrás, donde las decisiones no son sencillas porque implican desligarse de la propia historia y de los recuerdos. Nos hace pensar en qué hubiera sucedido o cómo sería el presente si a lo largo del camino hubiésemos actuado diferente, haciendo o dejando de hacer ciertas cosas.

 

Andrés, un hombre que anda alrededor de los treinta años, viaja permanentemente por razones laborales y parece no tener lazos en ninguna parte del mundo, pero da la sensación de no ser un hombre plenamente feliz, como si cargara en el alma el peso de algo sin resolver

 

Andrés vive en Alemania desde hace 10 años. Regresa a Chile para cerrar asuntos pendientes antes de asentarse definitivamente en Berlín. En su estadía, asiste a la fiesta de cumpleaños de uno de sus amigos donde redescubre todo un mundo que dejó de ver. Cuando está a punto de despedirse de la fiesta se reencuentra con el amor de su vida, pero que hoy ha hecho otra vida y tiene dos hijos. La película transcurre íntegramente en la situación del cumpleaños, en una sola noche Este reencuentro podrá cambiar la vida de Andrés para siempre.

 

En la medida que la película avanza podemos entender todo el pasado de Andrés basado en los recuerdos de las personas que lo ven en la fiesta y que quieren expresarle qué significó él en sus vidas, nos enteramos sin darnos cuenta de por qué vive como vive y por qué casi nunca sonríe.

 

Es una buena película, y aunque es una historia predecible, tiene en su interior pequeñas historias interesantes, como la de los hijos de la casa o las jóvenes que estaban en la fiesta, que son un retrato del humor y costumbres chilenas, en particular de las nuevas generaciones. Muy buena calidad de las actuaciones, una excelente dirección de arte, un guión bastante ágil a pesar de ser sólo de diálogos, excelentes actuaciones y buena música

 

 

Título: La vida de los Peces

País: Chile

Director: Matías Bize.

Reparto: Santiago Cabrera, Blanca Lewin, Antonia Zegers.

Género: Drama.

Año: 2010.

Premio: ganadora del premio Goya a la mejor película hispanoamericana

 

 

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