El Cascanueces

El Cascanueces es un ballet en dos actos compuesto por Tchaikovsky. El libreto está basado en el cuento de hadas “El cascanueces y el rey de los ratones” de Ernst Hoffmann de 1816.

En 1891, al coreógrafo mundialmente reconocido, Marius Petipa se le encargó por iniciativa de Peter Tchaikovsky componer la música para la adaptación de Alexandre Dumas del cuento “El cascanueces y el rey ratón”, de Hoffman. Muchos obstáculos ocasionaron que la obra llegara a estrenarse con más de un año de retraso a la fecha esperada. Tchaikovsky –al parecer por compromisos adquiridos con anterioridad en los Estados Unidos- no terminaba la partitura, mientras que Marius Petipa sólo pudo acudir a los primeros ensayos cuando cayó enfermo, y su asistente Lev Ivanov tuvo que terminar la coreografía.

La obra fue estrenada el 17 de diciembre de 1892, en el legendario teatro Mariinskii de San Petersburgo bajo la coreografía original de Lev Ivanov, el libro de Marius Petipa y la música de Piotr I. Tchaikovsky. Su primer presentación fue un completo fracaso, tanto los críticos como la audiencia la odiaron.

Fue hasta el 30 de enero de 1934 que el ballet completo llegó a montarse en un escenario fuera de Rusia. Fue el Sadler’s Wells Theatre de Londres quien encargó a Nikolay Sergeyev la puesta en escena, basándose en los cuadernos de apuntes traídos de San Petersburgo. A partir de este montaje, el ballet “El Cascanueces” adquirió una creciente fama y popularidad en occidente.

En 1954, George Blanchine, creó una nueva producción del Cascanueces. Por desgracia Petipa no vivió para ver el éxito de este fantástico ballet ya que falleció en 1893.  

Con el paso de los años esta obra se ha convertido en un clásico del ballet y en una de las piezas más reconocidas de la música clásica. En la actualidad, es una tradición el montaje de este ballet en cada temporada navideña.

Argumento:

I Acto

Es Navidad. Entre los invitados que llegan a la casa de la familia Shtalbaun se encuentra Drosselmeier -el preferido por los niños. Impacientes, los pequeños esperan que en el árbol se enciendan las luces de colores. Llega el mago con su regalo para los niños: un teatro de marionetas. La fiesta continúa; los abuelos también bailan superando los achaques propios de su edad mientras los niños juegan. Las marionetas Colombina, Arlequino y Saracinos inician su baile. Todos están muy emocionados cuando el mago se quita su máscara: es Drosselmeier. Clara y Fritz, los hijos de Shtalbaun le piden a Drosselmeier que les regale las marionetas pero éstas ya se las han llevado. En su lugar les regala un ridículo muñeco cascanueces. Fritz arrebata el muñeco a Clara y lo rompe. Ésta le consuela echándole en la cama. Los invitados abandonan la casa después del baile para finalizar la fiesta navideña.

Escena 2

 Ha anochecido y la habitación donde se encuentra el árbol adquiere un aire misterioso, casi milagroso. Asustada, Clara va a ver a su muñeco enfermo Cascanueces. Melancólica observa como un búho se convierte en Drosselmeier mientras la mira con una sonrisa burlona. A su señal, del suelo aparecen ratones encabezados por su Rey. Clara quiere huir pero las fuerzas la abandonan y sólo consigue acercarse al árbol que muy deprisa empieza a crecer, mientras todo a su alrededor cambia. Los soldados de plomo cobran vida y, encabezados por Cascanueces, inician una batalla contra los ratones. Las fuerzas son desiguales, van venciendo los ratones cuando Cascanueces se queda sólo ante el ejército de roedores. Clara lanza un zapato al Rey de los Ratones y consigue ahuyentarlos. Cascanueces yace en el suelo. Clara se acerca a él: es un joven príncipe. Él la mira agradeciendo su ayuda.

Escena 3

La habitación se convierte en un bosque invernal. Unos levísimos copos de nieve bailan milagrosamente mientras una estrella del árbol atrapa a Clara y al Príncipe Cascanueces como en un sueño, introduciéndolos en una carroza que les conducirá hasta la cima del árbol.

Acto II

Escena 4

Juntos inician su viaje hacia la cima del árbol, pero los ratones les alcanzan entablándose una nueva batalla. En esta ocasión Cascanueces sale vencedor. Llegan al reino de los muñecos donde son recibidos por doce pajes. El Príncipe narra lo sucedido y cuenta como Clara le salvó, motivo por el que todos muestran su agradecimiento, celebrando una gran fiesta en honor de ambos. Se despiden del reino de las Nieves y siguen su camino por el Río de la Limonada hasta llegar al Reino de las Golosinas donde la Reina de los Dulces los espera con un agasajo en su honor en donde varios bailarines de distintas partes del mundo bailan para ellos.

Escena 5

Finalmente, el mundo de ensueño de Clara se desvanece y ella se despierta dándose cuenta que todo ha sido un sueño. Sus padres van a buscarla para que salga al portón a despedir a su padrino Drosselmeyer quien junto con Daniel regresa a su taller de relojes y muñecos.

Videos

JOYAS

Con críticas muy favorables y un poco de confusión, lo que había sido publicitado como el primer ballet completo en abstracto, era en realidad tres ballets por separado, con música de tres compositores distintos, unidos débilmente por una sugerencia de las piedras preciosas. De hecho, fue oficialmente sin título al estreno. Se dice que Joyas es un buen resumen acerca de los muchos estilos de Balanchine, en la que muestra al público la profundidad y la amplitud de su obra coreográfica.

Se cuenta que el coreógrafo se inspiró para la creación de este ballet en el escaparate de la gran joyería Van Cleef & Arpels, donde un día, camino del teatro, se paró para admirar las vitrinas, cada una dedicada a una gema preciosa distinta: esmeraldas, rubíes y diamantes. Según la anécdota, la intensa curiosidad del señor que se quedaba mirando con tanta insistencia las vitrinas a pesar de la lluvia empezaba a inquietar a las dependientas. Cuando un joven, acompañado discretamente por dos guardias de seguridad, le abrió la puerta y le invitó a entrar preguntándole por su interés en las joyas, Balanchine se presentó. El joven resultó ser Van Cleef hijo que, cuando se enteró de la identidad del curioso, se confesó gran admirador de todos los ballets del coreógrafo georgiano.

En 1967, cuando se preparaba el estreno se anunció que el nuevo ballet del maestro tenía tres actos pero ningún argumento. Cada cuadro evocaba los países que habían acogido al coreógrafo a lo largo de su trayectoria. Esmeraldas, evoca a Francia, cuna de la danza romántica; Rubíes representa a América y lanza un guiño a las comedias musicales y la tercera, Diamantes, sugiere el Ballet Imperial de San Petersburgo y el legado clásico que dejó Marius Petipa.

Joyas nació con las partituras de los tres compositores que protagonizan cada parte: Esmeraldas está realizada sobre extractos de Peleas y Mélisande y Shylock, de Gabriel Fauré, es una evocación de la Francia romántica, con movimientos propios de los ballets del siglo XIX que componen figuras simétricas, ritmos regulares y elegantes, y brazos etéreos que quieren ser el arte del movimiento inmóvil. Su estilo rememora el romanticismo que Francia presenció en sus escenarios para plasmar la esencia de la Francia elegante que se refleja en la moda y los perfumes de los grandes coutouriers. Está dividido en ocho secciones, y estructurado alrededor de dos parejas de solistas, un trío y un cuerpo de baile de diez intérpretes. Los tonos verdes del vestuario y de la iluminación, y el delicado carácter lírico de la coreografía sugieren un mundo onírico que recuerda a las grandes obras del repertorio del ballet romántico.

Rubíes es la energía del Capriccio de Igor Stravinsky, donde muchos ven influencias de la América de los años 30, pero que Balanchine niega, explicando que a él lo que le inspiró fue la música de Stravinsky. El color rojo del vestuario y los decorados de “Rubíes”, con la música sincopada de Stravinsky y la coreografía cuyos pasos sugieren la rápida y moderna época del jazz, hacen de la obra una encantadora travesura en la que destaca el trabajo de tres bailarines solistas. Rubíes representa América a través de los ojos de Balanchine influenciado por los musicales de los años 30 y el jazz. Frente a la poesía de Emeralda nos ofrece el deseo, la sensualidad y la provocación, con las posiciones clásicas llevadas al extremo a partir del Capriccio de Stravinski.

El final es Diamantes, en el que el estilo imperial ruso queda de manifiesto con la maravillosa partitura de Tchaikovsky y el pas de deux. Diamante está construida sobre los cuatro últimos movimientos de la Sinfonía nº 3 de Tchaikovsky y es una síntesis del arte de Marius Petipa y Lev Ivanov, y en su composición percibimos la grandeza de los ballets imperiales rusos.
Balanchine logró una pieza de extraordinaria elegancia, con un coro de dieciséis parejas en precisa formación para interpretar con éxito los difíciles patrones bailables, típicos del maestro, y una pareja.

VIDEOS

 

Adagietto

Adagietto es una pieza corta de ballet coreografiada sobre un movimiento de la 5ª Sinfonía de Gustav Mahler.

Gustav Mahler sólo hizo enemigos en el mundo del ballet. No escribió ninguno como literatura musical específica y detestaba los montajes de danza, pero la complejidad y grandilocuencia de su obra, además de cambiar el mundo estético y la concepción sinfónica, hizo su contribución al ballet moderno.

Tanto sirviendo para un funeral como para un ballet que celebra el amor, Adagietto cuenta con más de 15 versiones coreográficas inventariadas, un verdadero récord. Adagietto es una pieza que sigue viva con el paso de los años y causa al espectador el mismo efecto emocional que cuando fue estrenada. 

La película Muerte en Venecia, de Luccino Visconti, es una colección de las más bellas imágenes jamás filmadas y un alegato a la apreciación de la belleza. El Adagietto de Mahler de la Quinta sinfonía está presente a lo largo de la película, formando una unión indivisible entre imagen y sonido de gran presencia dramática. De hecho, Visconti es en gran medida responsable de la inmensa popularidad que cobró luego la música de Mahler. Este film inspiró John Neumeier a poner coreografía a esta pieza

La coreografía más difundida en los repertorios internacionales es la del argentino Óscar Araiz, Estrenado por el Ballet Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires en 1971, fue presentado por elencos de Canadá, Francia, Brasil, Suiza; la ópera de París también la tuvo en su repertorio. Esta bellísima creación representa el amor en una de sus formas más sublimes. La fluidez, la densidad y la levedad son las características de esta obra concebida como un acto de comunión amorosa, un dueto enlazado en un sentimiento que pasa por todos los matices, desde la ternura y el reconocimiento primero hasta la plenitud. Sus cuerpos nunca se distancian, como si estuvieran en un abrazo constante, en una intensa y honda comunicación. Además, los movimientos concéntricos dan mayor idea de unidad dando idea de la  fusión, a través del amor, de dos en uno.  Para los bailarines que ejecutan esta obra no es una pieza sencilla; si bien permite el lucimiento de una pareja de bailarines que realiza un difícil y hermoso trabajo corporal jugando con los pesos y contrapesos de cada uno, no tiene cortes, no tiene descanso; existe una continuidad en los movimientos que debe transmitir una sensación ininterrumpida.

En 1981 Maurice Béjart coreografió un solo de esta pieza corta de Gustav Mahler para el bailarín argentino fallecido Jorge Donn, musa durante años del coreógrafo, el resultado fue una obra que es alarde de expresión escénica

Videos

ONEGIN

Onegin es un afamado ballet creado por John Cranko, con música de Piotr l. Tchaikovsky y basado en el poema de Alexander Pushkin. Tiene uno de los argumentos más originales y exitosos del siglo XIX.

Cranko, nacido en Sudáfrica en 1927, hizo su carrera en Europa creando su primer ballet a los 16 años.  En 1946 llegó a Inglaterra y se unió al Sandler’s Wells Theatre Ballet como bailarín, y en la temporada 1950/1951 fue designado coreógrafo residente. En 1965 montó Onegin para el Stuttgart Ballet, compañía de la cual fue director artístico, y la crítica la considera como su mejor coreografía. El ballet, al igual que la ópera del mismo nombre, está compuesto de 3 actos y seis escenas y es una de las más importantes obras dentro del repertorio del Stuttgart Ballet. Impresionante y poderoso, Onegin se ha vuelto uno de los más importantes y buscados ballets de larga duración.

Este ballet es una historia de amor no correspondido entre Tatiana, una muchacha joven e inocente, y Onegin, un cínico aristócrata que tarde se da cuenta de su error. Puesto que se trata de una historia llena de emociones, su interpretación requiere una gran expresividad y una técnica brillante. Fue estrenado en en Stuttgart el 13 de abril de 1965. En 1967 el mismo Cranko hizo una revisión para el Ballet de Stuttgart, esta versión es la que se ejecuta en la actualidad.

Argumento

Acto I:

Escena 1: En el jardín de la casa de campo de la viuda Larina, ésta y su criada intercambian algunas palabras, mientras se oye el canto de las hermanas Tatiana y Olga, hijas de Larina. Se celebra el fin de las cosechas y Olga participa despreocupada de los festejos. Tatiana, de carácter romántico y melancólico, se mantiene ajena. Llega de visita Lenski, el prometido de Olga, acompañado de un amigo, Eugenio Onegin, un muchacho elegante e instruido, pero de carácter escéptico y un tanto egoísta, aburrido del mundo.  Onegin logra impresionar a Tatiana, quien se enamora inmediatamente de él.

Escena 2: En su habitación, Tatiana escribe una larga y apasionada carta a Onegin. En la misiva le revela sus sentimientos y le pide una entrevista.

Escena 3: Onegin acude de buen gusto a la cita con Tatiana. Se muestra cortés, pero frío. Declara que no se siente atraído por el matrimonio, pues tiene un carácter poco firme. Ante tal situación, el joven ruega a Tatiana que lo olvide.

Acto II:

Escena 1: En una sala de la casa de la viuda Larina, se celebra con un baile el cumpleaños de su hija Tatiana. Entre los invitados ha asistido Eugenio Onegin, quien conversa y baila con Tatiana. Pero ante crecidos rumores en torno a su cortejeo a la festejada, Onegin invita insistentemente a bailar a Olga, lo cual provoca grandes celos en Lenski, ahora el prometido de ésta. Después de reprochar y acusar a su amigo, Lenski reta a duelo a Onegin.

Escena 2: Al alba del día siguiente, en un lugar apartado se baten a duelo Lenski y Onegin. Ambos parecen desistir del enfrentamiento, dada la amistad que los ha unido por tanto tiempo, pero ninguno se atreve a dar el primer paso. Los padrinos cargan las pistolas y toman distancia. Lenski cae muerto al primer disparo.

Acto III:

Escena 1: Suntuosa sala en el palacio del príncipe Gremin, en San Petersburgo. Se da una fiesta y Onegin se encuentra entre los invitados. Han pasado ya seis años desde la muerte de Lenski y Onegin acaba de regresar de un largo viaje que ha realizado para calmar sus penas y remordimientos. Onegin ve a Tatiana, ahora la esposa del príncipe Gremin, y se despierta en él la gran pasión que nunca antes existió.

Escena 2: En un pequeño salón, Tatiana accede a la petición de Onegin de ser recibido. Ante la declaración apasionada del joven y sintiendo por momentos la tentación de ceder, Tatiana se mantiene firme en su decisión de ser fiel a su marido. Se opone con firmeza a las proposiciones de fuga que le hace Onegin, lo rechaza y lo despide para siempre.

Videos

Carmen

Carmen es una obra de ballet en un acto y tres escenas, inspirada en la novela creada en 1846 de Próspero Merimée, un escritor romántico francés.

Como ejemplo de literatura que triunfa en sus diversas versiones sobre las tablas, su adaptación más famosa es la ópera homónima de Georges Bizet, con libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, estrenada en la Ópera Cómica de París en 1875.

El argumento de la novela que dio vida al ballet “Carmen” cuenta que es la historia de una mujer hermosa y apasionada que encuentra en la sociedad que la rodea un marco estrecho de comportamiento. Carmen enfrenta a una sociedad que de acuerdo con sus cánones la niega y la enjuicia. La disyuntiva que se le presenta es adaptarse o perecer.

Trabaja como cigarrera en una fábrica. Allí riñe con una de sus compañeras y es enviada a prisión por el Capitán Zúñiga, quien está enamorado de Carmen y no es correspondido. 

Esta tarea debe ser llevada a cabo por el Sargento Don José, joven recién llegado al regimiento, quien es seducido por Carmen para que éste olvide su deber y la ayude a escapar. Más tarde, la gitana se interesa por el joven Torero Escamillo, hombre de éxito y riqueza incipiente, adjetivos muy seductores para Carmen. Carmen juega con los sentimientos de tres hombres, Don José, el Torero Escamillo, Zúñiga.

Don José, al ver traicionado su amor y enceguecido por los celos, ruega a Carmen que sea únicamente para él. Ante la negativa de la gitana de abandonar su libertad, Don José la mata de una puñalada pasional y dolorosa.

El Destino, como personaje siniestro, entrelaza la historia y comanda las situaciones para cumplir fatal e inevitablemente con su misión.

Varios coreógrafos se han visto tentados con la novela de Próspero Merimée y el marco musical de Bizet. Marius Petipá había concebido una versión llamada “Carmen y su toreador” en sus tiempos como bailarín en el Teatro Real de Madrid el mismo año de la aparición del relato de Merimée, pero no fue hasta 1949, en que Roland Petit volvió a tomar el argumento con los Ballets de París con una versión demasiado irreverente para la época en más de un elemento: los encuentros entre Carmen y José eran en extremo libidinosos, los bailarines cantaban y fumaban en el acto, los diseños de Antoni Clavé eran también muy osados y la escena de la muerte era demasiado cruda. Todo esto dio como resultado que el estreno en Londres resultara al mismo tiempo un auténtico escándalo y un brillante suceso. La imagen de la intérprete en el rol de Carmen quedó como paradigma de la vedette y el coreógrafo obtuvo una inmediata gloria internacional.

En 1966, Alberto Alonso dejó impresionada a la estrella rusa Maya Plisetskaya por la calidad del movimiento que introducía a las coreografías y le planteó crear para ella un ballet a partir de una música que su esposo, Rodion Schedrin, había orquestado para instrumentos de percusión sobre una suite de la ópera de Bizet. Ese fue el nacimiento de “Carmen suite”, cuyo estreno tuvo lugar en el Teatro Bolshoi, el 20 de abril de 1967.

Al elaborar la música para este ballet Schedrin  encontró que era imposible pensar en la historia sin las canciones famosas de Bizet, por lo que decidió explotar la ópera original dándole profunda condición expresiva puesta al servicio de la acción dramática, y al inmenso sentimiento humano, pero  después de la primera actuación fue prohibido por las autoridades como “un insulto a la obra maestra de Bizet”.  Tomó intervención  Shostakovich para obtener la aprobación y este trabajo se convirtió en el más conocido de Schedrin

Más tarde, la legendaria Alicia Alonso dio vida al personaje de la seductora gitana con una genial e inolvidable interpretación. El 1º de agosto de 1967  el ballet “Carmen” de Alberto Alonso fue estrenado en Cuba.

Ballet en un acto y tres escenas.

La orquesta tocará el tema del destino, para la entrada alegre y sensual de Carmen, personaje que encierra en sí a la mujer apasionada, con actitudes de franca oposición y desafío a una sociedad estructurada en normas perjudicadas. Carmen, ha escogido a Don José, a quien le tiende un lazo al lanzarle una flor. La música se torna dramática, profunda, para la entrada de un personaje que representa al Destino, lo que da lugar a que la escena se torne extraña, rompiendo la alegría del juego del amor y la sensualidad. Carmen burlona, desdeña los anuncios de la lectura de cartas de la gitana, que presagian días aciagos, que desde ya marcan desconocidos y temerosos destinos. Desde el foro, los gritos acompañan a las cigarreras que vienen peleando, y el centro de la riña, es Carmen, que envuelta en la furia corta el rostro de una de sus compañeras, formándose un tumulto, que es sofocado por la guardia. Carmen es apresada junto a varias de sus compañeras. Utilizando sus encantos y la admiración y debilidad que Don José tiene por ella, aprovecha de esta ventaja, para seducirlo y convencerlo que le permita escapar de la prisión. Don José, entre arrepentido y satisfecho, asume su culpa. Mientras el Destino, que otra vez aparecerá en escena, confirmará sus predicciones. Carmen libre se entrega a Don José.

Entrada esperada del torero Escamillo, que ha triunfado en la corrida de la tarde. Carmen, se ha ilusionado con el torero y la entrada de él y su danza reafirman sus sentimientos; pues, el halo de triunfo, fama y fortuna contagian el alma de Carmen. Escamillo baila para ella y ejerce en la protagonista una instantánea seducción. La entrada del Destino, reafirmará, que las cartas están echadas y que Carmen se encuentra en una encrucijada, entre dos caminos: la sensualidad, por el amor y la ternura. Sin embargo, Carmen se encontrará con el sargento Don José y caerán en un  torbellino, donde se canta al amor.

El ámbito cambia a una plaza de toros.

El triunfo del torero resuena en la plaza. Por un lado Escamillo, que le produce un temblor interior que no acierta a definir y que le ciega ante la realidad; por el otro Don José, que le conduce a la ternura, a la paz interior. Don José, muerde sus celos; mientras el torero, saborea el triunfo. Con la entrada nuevamente del Destino, la muerte aparece en un cuchillo que flamea desde lo alto, se hunde en el pecho, de Carmen. La mano de Carmen acompaña, a la hoja metálica que le quita la vida, buscando el rostro de Don José, que ve morir a su amada.

Videos

SCHEHERAZADE

Este ballet en un acto es una mezcla de sensualidad y elegancia que abraza un drama cargado de romance, intrigas y traición. Está basado en el cuento sobre Shakhriar y su hermano, de “Las Mil y Una Noches” y fue estrenado el 4 de junio de 1910 en el Theatre National de l’Opéra de Paris por los Ballets Rusos de Diaghilev con coreografía de Michel Fokine, música compuesta por Nicolas Rimsky-Korsakov, libreto de Benois y diseño de Léon Bakst

La obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa de Rimsky-Korsakov, entre ellas: un color espectacular de la orquestación y un interés en el Oriente, que figuraba en la larga historia de la Rusia imperial. Es considerada su obra más popular.

El romance furtivo entre la favorita del harén y el esclavo de oro constituye el núcleo del ballet que Mikhail Fokine creó sobre la partitura de Rimsky-Korsakov, una Obra sinfónica de 1888, con Ida Rubinstein y Vaslav Nijinsky como protagonistas de la obra. La escenografía y el vestuario que Bakst creó, hechizaron al público con sus reminiscencias orientales, que inmediatamente fueron puestas de moda por diseñadores y joyeros.

La Suite sinfónica Scheherazade data de 1888. Se divide en cuatro movimientos, cada uno con un título que hace referencia a diferentes narraciones. En todos ellos está presente, a modo de hilo conductor, el tema de Scheherazade, enunciado por el violín acompañado por tenues arpegios en el arpa y dotado de una melodía llena de arabescos, evocadora del ambiente exótico en que se desenvuelve la historia.

ARGUMENTO

El Shahriyar, el sultán de la antigua Persia, está en su harén con su joven hermano Shahezman disfrutando de los placeres y el entretenimiento. El Sultán ama profundamente a su favorita Zobeida, pero su hermano quiere hacerle comprender que todas las mujeres, incluso Zobeida, son infieles. Para comprobar su lealtad, los dos hombres anuncian que se van para asistir a una cacería.

Tan pronto como el sultán y su hermano se han ido, las concubinas sobornan al eunuco jefe con regalos y halagos para que lograr desbloquear y liberar a los esclavos. Su liberación enciende una orgía en el harem. Zobeida elige al hermoso esclavo de oro para ella y caen juntos en un apasionado abrazo.

Cuando la juerga llega a su momento cúspide el rey regresa inesperadamente y mucho antes de lo previsto. Enfurecido por la traición de Zobeida ordena a sus guardias que ejecuten a todos los presentes, con excepción de Zobeida, pero cuando sólo ella queda viva, el rey duda. Zobeida pide perdón y él está dispuesto a perdonarla, pero su hermano le recuerda su deslealtad. Ella cae en cuenta de la futilidad de todo, arrebata a un guardia su daga y se apuñala cayendo muerta a los pies del sultán.

Hasta aquí es la historia que toma este ballet, pero en el texto original la historia continúa. El sultán teme traiciones futuras, tiene una nueva esposa cada noche y luego ordena decapitarla a la mañana siguiente. Después de haber matado a miles de mujeres, conoce a Scheherazade

Después de su primera noche ella ofrece contar una historia al sultán, quien está de acuerdo, por lo que comienza. Cada noche, el Sultán le perdona la vida a fin de escuchar otra historia. Al final de mil y una noches y después que Scheherazade ha agotado todas sus historias, el sultán se ha enamorado  y se queda con ella.

El despertar de Flora

El despertar de Flora o Le Réveil de Flore,  también conocida como Flora Despertar, o incorrectamente como La Flor de Despertar o el despertar de las flores, es un ballet en un acto, con música de Drigo, coreografía de Petipa y asistencia de Ivanov. El argumento está inspirado en un relato del filósofo y escritor latino Lucio Apuleyo, incluido en su célebre obra literaria La metamorfosis, también conocida como El asno de oro, y celebra el amor de Flora, la diosa de las flores, y Céfiro, el dios del viento. Fue creado en 1894 en ocasión de la boda de la princesa Ksenia Alexandrovna, hermana del zar Nicolás II y presentado por primera vez en una actuación en su honor el 9 de Agosto de 1894.

La obra tuvo un segundo estreno para el público en general el 20 de enero de 1895 en el Teatro Mariinsky con el mismo elenco. Esta actuación fue un beneficio de despedida de la bailarina Anna Johansson 

Este ballet permaneció en el olvido durante más de un siglo en Rusia, hasta que Vikharev realizó una reconstrucción del original de 1894 a partir de las anotaciones coreográficas de Stepanov. Esta coreografía junto con la reproducción fiel de los conjuntos ornamentales originales y los trajes, fue revivida con una maravillosa puesta en escena: la coreografía de Petipa, que incluye 45 minutos de bella danza, es una gloriosa celebración de la armonía divina y el orden. Víctor Baranov como Apolo, Eugenia Obratzova  como Flora, y Chaschegorov Maxim como Céfiro, junto al cuerpo del ballet Mariinsky dieron vida a “El despertar de Flora” en  San Petersburgo en el año 2007

El ballet comienza con el solo del sueño hermoso de la diosa Diana. También hay solos de las otras diosas y dioses y bellas danzas  para el conjunto del cuerpo de baile. Flora tiene una serie de solos exigentes  y un dueto con Céfiro. Hacia el final, hay un espectacular desfile de figuras míticas, como las ninfas, sátiros, faunos. El ballet culmina con una apoteosis deslumbrante.

Aunque muchos estudios dan el crédito de este ballet como el trabajo de Marius Petipa y Lev Ivanov, la coreografía fue puesta por Petipa. Ivanov actuó como su asistente en los ensayos.

Existe la notación casi completa de la coreografía original de Petipa para “El despertar de Flora”, en notación coreográfica Stepanov.  Hoy en día, estas notaciones son parte de la Colección Sergeyev, que se encuentra en la Biblioteca de la Universidad de Harvard.

Riccardo Drigo elaboró la música y fue considerada como una obra maestra de la música de ballet por balletómanos y críticos, y se formó incluso una suite orquestal.  El adagio del ballet de Pas d’acción incluye un solo de violín, escrito especialmente para el gran violinista Leopold Auer.

Este ballet fue uno de los favoritos de las bailarinas de la etapa imperial de San Petersburgo, entre ellos Anna Pavlova.

ARGUMENTO

Escena 1: Flora, la diosa de la primavera, se encuentra profundamente dormida con sus ninfas. Diana, la diosa de la Luna, guarda la paz. Con la proximidad de la madrugada, se siente frescura en el aire. Diana se esconde en las nubes.

Escena 2: Aquilón, el viento del norte, corre tormentoso. El aliento frío del viento despierta a Flora y la obliga a buscar refugio en el follaje. La aparición de un rocío frío provoca en Flora  desesperación y ella implora a Aurora, la diosa del amanecer, por ayuda.

Escena 3: Aurora consuela a Flora con tiernas caricias y anuncia que Apolo, el dios del día, terminará sus sufrimientos. Aurora, Flora, y sus ninfas danzan un vals.

Escena 4: Con la aparición resplandeciente de Apolo, todo se anima. Encandilado por la belleza de Flora, Apolo la  besa. En ese momento, Céfiro, el dios del viento suave del oeste, vuela hasta su amada Flora y la abraza. Es seguido por Cupido y sus pequeños amores; “Usted debe ser su compañera,”le dice Apolo, “Es la voluntad de los dioses.” Todos están felices; Cupido, amores y ninfas se regocijan de la felicidad de los amantes. Un clásico Pas d’action se lleva a cabo.

Escena 5: Mercurio, mensajero de los dioses, anuncia a Hebe, la diosa de la juventud, y Ganímedes, el mayordomo de los dioses. Ellos entregan a Flora y Céfiro una taza de néctar como presente y proclaman que Júpiter les ha dado la eterna juventud.

Escena 6: Una procesión. El carruaje de Baco y Ariadna se acompaña de bacantes, sátiros, faunos, silvanos, y otros. Un Grand pas se lleva a cabo por todos, seguido por un final conmovedor.

Apoteosis: El Olimpo es revelado; Júpiter aparece, Juno, Neptuno, Vulcano, Minerva, Ceres, Marte, Plutón, Proserpina, Venus, y otros.

VIDEOS